Viernes 13 de marzo de 2015
EL PODER DE LAS CANCIONES: PORQUE TAMBIÉN ES POSIBLE LEER LA MÚSICA
En el Matadero de Madrid tiene lugar desde el pasado 29 de enero y hasta el 4 de octubre una de las exposiciones gratuitas más particulares que hasta ahora he visitado. Bajo el nombre de “El poder de las canciones” se exponen 60 temas musicales del pop del siglo XX, 60 temas que representaron un momento de cambios culturales, 60 canciones para hablar de cambios movimientos sociales y artísticos que marcaron un hito en la historia de la música.
La rememoración que se presenta en La Casa del Lector del Matadero, trae al presente las 60 canciones más representativas de la cultura pop del siglo XX, con temas cargados de significado y delatores del período en el que nacieron. Con unas escaleras de un rojo intenso (como un símil de la famosa alfombra roja) se abre la exposición a nuestros pies, para traer a su público el recuerdo nítido de otra época. Pocas cosas traen el recuerdo de una forma tan clara como con una canción, la cual activa nuestra memoria y nos hace retroceder a un instante concreto que permanece más o menos escondido, pero no olvidado.
Así pues esta exposición trae al espectador a 60 iconos (entre ellos 10 españoles) que trascendieron y revolucionaron, a pequeña o a gran escala, la música popular de su tiempo. A través de diferentes pasillos los encontramos: desde la simplicidad de textos inmediatos y poderos, hasta la profundidad de composiciones con carácter de manifiestos; entre la reflexión personal y el compromiso social, aferrándose al detallismo narrativo o al simbolismo poético, y desde un activismo político o una provocadora perversión conceptual, nacieron vibrantes himnos generacionales que todavía hoy perduran en el imaginario colectivo.
Tras subir por las escaleras rojas, como haciendo el paseo hacia la fama, nos encontramos una sucesión de pasillos con todas las canciones abriéndose ante nosotros de una forma muy particular: un especie de libro abierto, con la imagen del cantante o grupo en el exterior (tipo portada), y en el interior unos cascos para escuchar la canción y la explicación de lo que significó esta para su época o para la cultura musical del momento, presentando además la letra completa de la canción que se escucha, tanto en español como en inglés, y resaltando en la parte interior de la “portada” el estribillo o estrofa más significativa de la canción.
Es así como, de primeras, nos topamos con Abba y con Nirvana, con Dancing Queen (1976) y Smells like teen spirit (1991), respectivamente.
Con Dancing Queen de Abba (que curiosamente tenían puesta la versión en español), se nos presenta el tema para abrir la exposición como la banda sonora de las mejores celebraciones de nuestras vidas, mediante un ritmo sensacional que merece ser bailado. Sin duda un triunfo universal.
Sin embargo yo me quedo con la de Nirvana, Smells like teen spirit como reflejo de un himno generacional que, accidentalmente, Cobain lo hizo suyo como el eslogan perfecto para un manifiesto contra la apatía juvenil. Con frases crípticas tomadas de las páginas de su diario y un reconocido plagio a los Pixies, la canción corrió como la pólvora vía MTV con un vídeo-motín que se convirtió en espejo en el que distorsionarse. Grande, enorme y perfecta para abrir boca a todas las demás canciones.
Obviamente es imposible ponerlas todas, por eso solo haré una selección de las que son, bajo mi punto de vista, las más significativas.
Es por ello que las que más destacarían, a parte de las dos ya mencionadas que abren la exposición, son What´s going on (1971) de Marvin Gaye, una canción de amor sincera y simple, ingenua pero emocionante que retrata proclamas de pacifismo y hermandad con el telón de la guerra de Vietnam de fondo. Una garganta serena lanzando al viento la crónica de un tiempo incierto.
También, como no, al gran Bob Marley con su tema Get up, stand up de 1973 canción que, a través de la hipnótica cadencia jamaicana, lanza octavillas sin fecha de caducidad. Una llamada que cuestiona credos e incita a la lucha en pos de la dignidad y la solidaridad universal. La rubrican y cantan Marley y Tosh y sirvió de epitafio para el primero: fue la canción final de su último concierto en 1980, previo a su fallecimiento a los 36 años. El mensaje aún palpita.
En la ruta también nos encontramos con Purple Haze (1967) de Jimi Hendrix, una canción con un texto inspirado en un sueño que admite cualquier tipo de interpretación aunque la única certeza que queda clara es que es uno de los más imaginativos, definitorios y monstruosos desarrollos de la guitarra eléctrica digitalizados por el genio de Seattle. Con la "niebla purpura" las cosas no parecían ser de la misma manera… y no lo fueron.
Con los Rolling Stones escuchamos su tema de 1965: (I can´t get no) Satisfaction, a través de la cual los bad boys del pop británico enfocaron el malestar juvenil de unos años sesenta en imparable erupción de revoluciones para todos los gustos y colores. No, no conseguían satisfacción (aunque lo intentaban), pero supieron vender su inconformismo a través de uno de los riffs de guitarra más sencillos y reconocibles de la historia del rock, con un Mick Jagger lascivo y descarado en su modulación.
Avanzando por los distintos pasillos encontramos la canción de “Heroes”, tema que vio la luz de mano de David Bowie en 1977, cuando Berlín no se acababa nunca. Las comillas del título ironizan mientras un romance furtivo entre Tony Viconti, el productor, y Antonia Maab, la corista, desemboca en un réquiem por la supervivencia del individuo frente a un mundo apabullante, cerca del Muro como hielo que quema, donde, como citaba el texto que coronaba la canción “Todos podemos ser estrellas. Todos podemos ser Héroes. Solo por un día”.
Con My generation de 1965 de The who llegó el Punk (o lo intentó) rápido, claro y enfadado. Con el blues en el retrovisor y el molde beat en la cartera, Pete Townshend configuró uno de los gritos de rebelión juvenil más incandescentes y orgullosos de la historia de la música. La definitiva prestación vocal -que incluyó un tartamudeo accidental, después premeditado- de un Roger Daltrey, cool y desafiante, punteaba un texto que exigía para la nueva generación su lugar en una sociedad distinta, renovada: el caos eléctrico final auguraba futuros gritos de guerra.
En 1970 John Lennon lanzó God, frontal, catártico y polémico con Yoko Ono y la Plastic Ono como pilares; estando aún a medio camino en su recomposición tras el naufragio de los Beatles (que también tienen un espacio en la exposición). El piano de Billy Preston guía un medio tiempo que resuena a blues y góspel y que cuestiona, desde su inicio, el poder de las creencias dominantes. El sueño (colectivo) ya se había terminado y Lennon no buscaba refugio ni en la Biblia ni en Dylan, ni en Buda ni en Jesucristo: fin de la magia. El futuro estaba dentro de él.
Más adelante, en 1978, Gloria Gaynor, tras nueve meses de hospital por un resbalón en escena y superar el fallecimiento de su madre, hizo que la música disco brillara de nuevo y para siempre con I will survive, el culmen del renacimiento físico y espiritual tras el abandono amoroso que sufrió. Convertida por la club culture neoyorquina en epinicio de la lucha contra el sida, "I Will survive" trasciende el delirio camp y su propio eslogan: <<Más que un hit, una manera de vivir>>, proclamando la reafirmación femenina y convirtiéndose en el himno gay por antonomasia.
En el ámbito internacional termino con The Clash, que lanzó London Calling en 1979. Una canción que reflejaba el apocalipsis social del momento: accidentes nucleares, violencia policial, inundaciones.... Mick Jones y Joe Strummer le ponen banda sonora a un Londres distópico con motores congelados y zombis, con el punk convertido en moneda de cambio y la rabia sin mitigar. Un incendio de percusión marcial (Topper Headon), zumbidos de genética jamaicana (el superbajo de Paul Simonon), voz de rock'n'roll mutante (Strummer) y la urticaria eléctrica de las seis cuerdas de Jones. Paranoia, resistencia y chulería para decir bien alto <<I have no fear>>.
En el panorama español destaco a dos de los diez que presenta la exposición. El primero de ellos es uno de los grandes: Serrat, que en 1971 escribió las canciones del álbum Mediterráneo en la Calella de Palafrugell, mirando al mar que baña Algeciras y Estambul; entre ellas está la que da título al disco y que se convirtió en la pieza más universal de su repertorio. Es la más certera descripción de una existencia insumisa, libre y en contacto con la naturaleza lo que hace que, su evocadora y perfecta poesía, se conviertan en la más preciosa declaración de amor a la vida jamás cantada en castellano. Absoluta obra maestra.
El segundo tema español a destacar es Bailando, de Alaska y los Pegamoides, una moderna banda sonora del ritmo funk y esencia post-funk para el verano de 1982. El "Cuba" de los Gibson Brothers inspiró este himno hedonista rebosante de ritmo tropical. Frívolo pastiche con estilo, lleno de ingenio pegamoide, e insignia de una época movida con el sello personal de cinco talentos precoces con fuertes personalidades que, finalmente, fueron incompatibles: Olvido Gara, Carlos Berlanga, Nacho Canut, Ana Curra y Eduardo Benavente. Gran éxito.
Una exposición perfecta para leer, escuchar y comprender 60 momentos musicales que tuvieron un peso social y cultural importante. Así el público puede leer sobre la explosión musical que marcó épocas y movimientos sociales, mientras escucha los distintos temas; no es de extrañar que hubiese varias personas a la vez visitando la exposición y paseando por los diferentes pasillos, escuchando los vibrantes himnos generacionales que todavía hoy perduran en el imaginario colectivo.
Si podéis no faltéis, es una exhibición fascinante, para leer y escuchar la música de los grandes compositores del pop, del rock y del soul que se convirtieron en los nuevos trovadores de la época moderna y en espejo y modelo para que las siguientes generaciones continuasen profundizando en el ambicioso empeño de intentar explicar la vida a través del efecto instantáneo de una canción.
Viernes 13 de marzo de 2015
EL PODER DE LAS CANCIONES: PORQUE TAMBIÉN ES POSIBLE LEER LA MÚSICA
En el Matadero de Madrid tiene lugar desde el pasado 29 de enero y hasta el 4 de octubre una de las exposiciones gratuitas más particulares que hasta ahora he visitado. Bajo el nombre de “El poder de las canciones” se exponen 60 temas musicales del pop del siglo XX, 60 temas que representaron un momento de cambios culturales, 60 canciones para hablar de cambios movimientos sociales y artísticos que marcaron un hito en la historia de la música.
También, como no, al gran Bob Marley con su tema Get up, stand up de 1973 canción que, a través de la hipnótica cadencia jamaicana, lanza octavillas sin fecha de caducidad. Una llamada que cuestiona credos e incita a la lucha en pos de la dignidad y la solidaridad universal. La rubrican y cantan Marley y Tosh y sirvió de epitafio para el primero: fue la canción final de su último concierto en 1980, previo a su fallecimiento a los 36 años. El mensaje aún palpita.
En la ruta también nos encontramos con Purple Haze (1967) de Jimi Hendrix, una canción con un texto inspirado en un sueño que admite cualquier tipo de interpretación aunque la única certeza que queda clara es que es uno de los más imaginativos, definitorios y monstruosos desarrollos de la guitarra eléctrica digitalizados por el genio de Seattle. Con la "niebla purpura" las cosas no parecían ser de la misma manera… y no lo fueron.
Con los Rolling Stones escuchamos su tema de 1965: (I can´t get no) Satisfaction, a través de la cual los bad boys del pop británico enfocaron el malestar juvenil de unos años sesenta en imparable erupción de revoluciones para todos los gustos y colores. No, no conseguían satisfacción (aunque lo intentaban), pero supieron vender su inconformismo a través de uno de los riffs de guitarra más sencillos y reconocibles de la historia del rock, con un Mick Jagger lascivo y descarado en su modulación.
Avanzando por los distintos pasillos encontramos la canción de “Heroes”, tema que vio la luz de mano de David Bowie en 1977, cuando Berlín no se acababa nunca. Las comillas del título ironizan mientras un romance furtivo entre Tony Viconti, el productor, y Antonia Maab, la corista, desemboca en un réquiem por la supervivencia del individuo frente a un mundo apabullante, cerca del Muro como hielo que quema, donde, como citaba el texto que coronaba la canción “Todos podemos ser estrellas. Todos podemos ser Héroes. Solo por un día”.
Con My generation de 1965 de The who llegó el Punk (o lo intentó) rápido, claro y enfadado. Con el blues en el retrovisor y el molde beat en la cartera, Pete Townshend configuró uno de los gritos de rebelión juvenil más incandescentes y orgullosos de la historia de la música. La definitiva prestación vocal -que incluyó un tartamudeo accidental, después premeditado- de un Roger Daltrey, cool y desafiante, punteaba un texto que exigía para la nueva generación su lugar en una sociedad distinta, renovada: el caos eléctrico final auguraba futuros gritos de guerra.
En 1970 John Lennon lanzó God, frontal, catártico y polémico con Yoko Ono y la Plastic Ono como pilares; estando aún a medio camino en su recomposición tras el naufragio de los Beatles (que también tienen un espacio en la exposición). El piano de Billy Preston guía un medio tiempo que resuena a blues y góspel y que cuestiona, desde su inicio, el poder de las creencias dominantes. El sueño (colectivo) ya se había terminado y Lennon no buscaba refugio ni en la Biblia ni en Dylan, ni en Buda ni en Jesucristo: fin de la magia. El futuro estaba dentro de él.
Más adelante, en 1978, Gloria Gaynor, tras nueve meses de hospital por un resbalón en escena y superar el fallecimiento de su madre, hizo que la música disco brillara de nuevo y para siempre con I will survive, el culmen del renacimiento físico y espiritual tras el abandono amoroso que sufrió. Convertida por la club culture neoyorquina en epinicio de la lucha contra el sida, "I Will survive" trasciende el delirio camp y su propio eslogan: <<Más que un hit, una manera de vivir>>, proclamando la reafirmación femenina y convirtiéndose en el himno gay por antonomasia.
En el ámbito internacional termino con The Clash, que lanzó London Calling en 1979. Una canción que reflejaba el apocalipsis social del momento: accidentes nucleares, violencia policial, inundaciones.... Mick Jones y Joe Strummer le ponen banda sonora a un Londres distópico con motores congelados y zombis, con el punk convertido en moneda de cambio y la rabia sin mitigar. Un incendio de percusión marcial (Topper Headon), zumbidos de genética jamaicana (el superbajo de Paul Simonon), voz de rock'n'roll mutante (Strummer) y la urticaria eléctrica de las seis cuerdas de Jones. Paranoia, resistencia y chulería para decir bien alto <<I have no fear>>.
En el panorama español destaco a dos de los diez que presenta la exposición. El primero de ellos es uno de los grandes: Serrat, que en 1971 escribió las canciones del álbum Mediterráneo en la Calella de Palafrugell, mirando al mar que baña Algeciras y Estambul; entre ellas está la que da título al disco y que se convirtió en la pieza más universal de su repertorio. Es la más certera descripción de una existencia insumisa, libre y en contacto con la naturaleza lo que hace que, su evocadora y perfecta poesía, se conviertan en la más preciosa declaración de amor a la vida jamás cantada en castellano. Absoluta obra maestra.
El segundo tema español a destacar es Bailando, de Alaska y los Pegamoides, una moderna banda sonora del ritmo funk y esencia post-funk para el verano de 1982. El "Cuba" de los Gibson Brothers inspiró este himno hedonista rebosante de ritmo tropical. Frívolo pastiche con estilo, lleno de ingenio pegamoide, e insignia de una época movida con el sello personal de cinco talentos precoces con fuertes personalidades que, finalmente, fueron incompatibles: Olvido Gara, Carlos Berlanga, Nacho Canut, Ana Curra y Eduardo Benavente. Gran éxito.
Una exposición perfecta para leer, escuchar y comprender 60 momentos musicales que tuvieron un peso social y cultural importante. Así el público puede leer sobre la explosión musical que marcó épocas y movimientos sociales, mientras escucha los distintos temas; no es de extrañar que hubiese varias personas a la vez visitando la exposición y paseando por los diferentes pasillos, escuchando los vibrantes himnos generacionales que todavía hoy perduran en el imaginario colectivo.
Si podéis no faltéis, es una exhibición fascinante, para leer y escuchar la música de los grandes compositores del pop, del rock y del soul que se convirtieron en los nuevos trovadores de la época moderna y en espejo y modelo para que las siguientes generaciones continuasen profundizando en el ambicioso empeño de intentar explicar la vida a través del efecto instantáneo de una canción.
Sábado 8 de Noviembre de 2014
LA LLAMADA: ISMAEL SERRANO HABLA DE UNIÓN, DE REBELDÍA Y DE CAMBIO SOCIAL
Ayer hizo un mes desde que se sacó a la venta el nuevo álbum de Ismael Serrano, La llamada, un nuevo disco más reivindicativo y rebelde que pretende llamar la atención sobre el mundo de que estamos vivos y de que en nuestra mano está cambiar las cosas.
Con nuevos ritmos entre los que se cuentan tambores batá y bongó, bachatas traídas al mediterráneo, son del Caribe, sambas y casi reggaetón que convierten la tristeza en cambio social, y siempre sin perder su inestimable guitarra, la voz de Ismael Serrano nos llega más cargada de esperanza con un racimo de canciones donde el mensaje es claro: basta de lamentos, es hora de levantar la mirada.
La llamada, el single que pone nombre al disco, hace referencia a las tradicionales llamadas del carnaval uruguayo, en las que los convocantes, a golpe de tambor, salen a la calle y llaman al encuentro para que todos se sumen a la fiesta a través del ritmo y de la danza de forma espontanea. Esta tradición, relacionada con la cultura afroamericana, marcará también el espíritu de las otras 12 canciones que contiene su nuevo álbum en las que, quien lo escuche, encontrará un punto de convocatoria, de unión para luchar contra las injusticias, pero también de celebración a pesar de la realidad difícil que nos toca vivir.
Y de celebración ¿por qué? porque según él mismo dijo en una entrevista no es un "don't worry, be happy" sino "una llamada a la organización para defender esa alegría y que no nos la arrebaten". "Estamos cansados del pesimismo y del derrotismo" dice y lo que no podemos permitir es ponernos pesos a nosotros mismo, por muy atractiva que sea la estética del perdedor.
Por eso hace un llamamiento con su tema principal, La llamada, para intentar plasmar la realidad del precario y de aquellos que luchan por sobrevivir y salir adelante. Ismael reivindica esa alegría de la que hablaba Mario Benedetti cuando pedía celebrarla 'como un derecho', huyendo de la resignación y entendiendo que en la búsqueda de la complicidades de todos se puede encontrar la capacidad para influir en la realidad.
Es por ello que La llamada surgió como la búsqueda de un nuevo son para remover las conciencias, como un himno que pretende ser un retrato para homenajear a aquellos que ante la adversidad luchan con dignidad y se convierten en el ejemplo de hombres y mujeres que luchan contra un mundo hostil que necesita que le demos una buena vuelta para poner las cosas en orden. Todo ello sin abandonar el toque poético, los versos propios del cantautor.
Sin embargo, bajo mi punto de vista, lo más destacable de la canción es el vídeo que se ha hecho de la misma ya que mediante el hastagh #acudealallamada o por correo electrónico, todo aquel que quisiera formar parte del mismo podía mandar una representación de cada uno de los versos de la canción a través de un vídeo o de una fotografía haciendo que el videoclip se componga por los mismos a los que se les dedica: los herederos de una sociedad que se cae por su propio peso pero que, entre todos, puede volver a reconstruirse.
Os pongo parte de la letra acompañada de algunos de los vídeos e imágenes seleccionadas, algunas son simplemente sensacionales:
Comiendo pipas de girasol
Sentado en un banco del parque,
La tarde alumbra tu aburrimiento.
No era esto lo prometido:
Niño perdido, desde el andamio,
Todo tu barrio te veneraba.
Y ahora sueñas en la cola del paro
Con un verano con playas de oro que no verás.
(...)
Escucha la llamada,
únete al grito de los cansados,
La vida fue un ensayo hasta ahora,
Sal a la calle, salta las olas,
Brilla en la tarde tu luz de aurora.
Que el miedo cambie de bando,
Que el precariado se haga visible,
Que no se olviden de tu alegría.
Que la tristeza si es compartida
Se vuelve rabia que cambia vidas.
Limpiando la mugre de otros,
Respira el polvo de ropa ajena,
Bebe la pena en el fregadero.
Equilibrista de fin de mes,
A descoser para los muchachos
Todos los bajos del pantalón.
Y estas navidades no habrá regalos,
Turrón barato y algo de sidra si se da bien.
Lagrimas de hombre en barbecho,
Noche de invierno sin radiador
Con la pensión que tiene el abuelo.
Numantino sin Numancia,
Si los desahucia el banco este lunes
Quién hará lumbre con tus cimientos.
Y al banco de alimentos vas con corbata,
Sobre tu espalda el planeta entero se sostendrá
Escucha la llamada,
únete al grito de los cansados,
La vida fue un ensayo hasta ahora,
Sal a la calle, salta las olas,
Brilla en la tarde tu luz de aurora.
Que el miedo cambie de bando,
Que el precariado se haga visible,
Que no se olviden de tu alegría.
Que la tristeza si es compartida
Se vuelve rabia que cambia vidas.
Un disco que desde luego pretende ir acorde a esos movimientos que Ismael Serrano está percibiendo en la sociedad: el nacimiento de una sensibilidad política diferente con nuevas generaciones que tienen nuevas preguntas y que están buscando respuestas. Sin embargo, además del mensaje político, en La llamada encontramos canciones de amor, de nostalgia y de juventud, acordes a su línea de siempre, capaces de llegar al interior de todo aquel que le de una oportunidad.
Lunes 7 de abril de 2014
AMARAL UNE SU VOZ A LA SOCIEDAD PARA DECIR LO QUE TANTOS PENSAMOS
Decir que Amaral "lo ha vuelto a hacer" no sería algo justo para este gran dúo que me encanta, porque su música siempre me ha llegado hasta el fondo del espinazo. Sin embargo no es que haya hecho un temazo que pase a la historia por su calidad musical o por una complejidad en las letras que asombre hasta el menos espabilado… no, si el nuevo single del dúo pasa a la historia es porque basada en la sencillez, pero clara como el agua, se ha creado Ratonera, levantando ampollas como solo la música puede hacerlo, ampollas de realidad, ampollas de la situación que la política sitúa sobre nuestras cabezas como la tormenta a punto de estallar sobre ellas, levantando las ampollas de aquellas heridas que cicatrizan una y otra vez sobre la piel y que nunca cierran del todo, abiertas sin parar por la falsa democracia, por la falsa libertad.
Iniciando con “No sé ni cómo duermes por las noches, estúpido farsante, si mientes más que hablas” y las imágenes de los políticos internacionales pero, especialmente, los más conocidos de la vida pública española golpeados y llenos de heridas físicas, se nota que la canción llega pidiendo guerra, como un reflejo de la que se está librando en las calles: pacífica (en la mayoría de los casos) pero haciendo el ruido suficiente para que se nos escuche.
Ratonera ayuda a poner voz al movimiento que se ha iniciado hace tanto, con un mensaje más que llamativo, el videoclip muestra la antítesis de lo que se canta, con viñetas y texto donde se puede ver, en clave de humor y satirizando, a la clase dirigente con todo tipo de problemas que, obviamente, en realidad no les afectan en absoluto, pues son esos problemas sociales que ellos mismos deberían ayudar a resolver. Así, de mano del montador e ilustrador Alberto González Vázquez, se ha creado una obra maestra visual donde casi la voz de Amaral queda casi relegado a un segundo plano, donde cuesta fijarse en lo que dice, al menos la primera vez que se ve, inmersos en las imágenes y mensajes del vídeo:
Políticos como inmigrantes ilegales, indigentes, víctimas de las drogas, de la violencia doméstica, de las enfermedades, de la falta de educación escolar… o como manifestantes retenidos por las fuerzas de la seguridad del Estado. Todo ello con mensajes como "Desde 2007 más de 10.000 han sido desahuciados de sus viviendas", "El 78% de los políticos son analfabetos", "De los 350 diputados que iniciaron la pasada legislatura solo la completaron 74… el resto fue víctima del Dengue, la desnutrición y el SIDA", "La maldita heroína ha diezmado las cámaras de representantes de medio mundo" o "Un 38 % de los políticos duerme en la calle (…) y un 58% no puede abandonar el hogar paterno."
Por supuesto no se puede dejar la clave de humor de lado con versos como "1 de cada 2 ha sido atacado por un gremlin", "3 de cada 4 alcaldes adoran a Lucifer" o "Un 56% ha jurado su cargo en nombre de Satán".
Brutal, directo y sorprendente para una sociedad que aunque no está falta de ella, no le viene mal una segunda voz que le apoye y haga eco de la situación que tantas familias, jóvenes y adultos viven cada día.
"Ojalá sintieras el miedo que generas. Ojalá que lo sintieras.
Puedes intentar que te perdone Dios, no lo haré yo."
Un pensamiento que tantos tenemos en mente y que marca lo que debe ser el final de una era de corrupción, de podredumbre política y de ignorancia hacia los problemas que viven "otros".
Estamos en el momento del cambio, tarde o temprano llegará, para bien o para mal pero llegará, así que solo queda decirle a la clase política, lo que, de una forma o de otra, ya se está gritando a pleno pulmón en todas las plazas: "tiembla, tiembla, que tu final se acerca. Oh! tiembla, tiembla, el péndulo corto la cuerda y se rompió la rueca."
Domingo 30 de marzo de 2014
IVAN FERREIRO VOLVIÓ A LLEGAR Y A EMOCIONAR A SU PÚBLICO MADRILEÑO
El sábado, 29 de marzo, Iván Ferreiro llenó la sala La Riviera de Madrid, metiéndose al público en el bolsillo como solo pocos pueden hacerlo.
Lluviosa era la tarde en la que La Riviera abría sus puertas a las 19:30 a los fans que íbamos a ver cantar a Iván Ferrerio. Era una tarde gris pero el estado climático no se reflejaba para nada en el ánimo de las 1000 personas que, calculo, se reunieron allí el sábado pasado.
Yo iba con mi pareja y con una amiga y, aunque nos planteamos hacer cola, debido al mal tiempo, decidimos merendar tranquilamente y unirnos para la apertura de puertas. Así lo hicimos y no tuvimos problemas para situarnos cerca del escenario: en segunda fila que estábamos, lo más cerca que he estado nunca en un concierto.
Sobre las 20:30 la sala ya estaba bastante llena y se empezaba a notar el calor, pero aun así tuvimos que esperar hasta pasadas las 21:00, momento en el que Iván Ferreiro hizo su aparición para no parar de animar a la sala durante poco más de dos horas.
Empezó con una de sus últimas canciones, del nuevo disco Historia y cronología del mundo, Twin Peaks, seguida de una de las más antiguas, una de las que cantaba cuando aún estaba con Los Piratas, grupo por el que conocí a este gran artista; así cantó El equilibrio es imposible, canción intensa donde las haya.
Tras ellas y un “empezamos” inició definitivamente el concierto metiéndose de lleno a cantar otra de las canciones de su último disco, la de Pájaro Azul y todos los que estaban bajo el escenario la cantamos a coro. Volvió hacia atrás en el tiempo con la siguiente canción cuando cantó Abrázame de su primer disco en solitario Canciones para el tiempo y la distancia, para demostrar que este no pasa en sus letras, dejándolas intactas e intachables.
Algo curioso de estar casi en primera fila es que presencias algunos detalles que desde otra posición pasarían desapercibidos, como es que durante las cuatro primeras canciones se dejó a los que venían con el pase de prensa fotografiar y gravar a pie de escenario las actuaciones, aunque a partir de la 4ª canción (la de Abrázame) se les cortó el acceso y ni siquiera se les volvió a permitir sacar las cámaras cuando volvieron a su sitio: tras la valla que marcaba la separación en un metro entre el público y el escenario.
El concierto iba sobre ruedas, se tocaron varias canciones del último disco para hacer gala al nombre de la gira entre las que destacaría mis favoritas: El bosón de Higgs y, grande, muy grande, El fin de la eternidad donde Iván Ferreiro, sentado al piano y cantándola, seguro consiguió poner los pelos como escarpias a más de uno; conmigo lo consiguió sin ninguna duda.
A veces estaba tan cerca que, mientras cantaba y tú le seguías envuelta en la música y en la mágica letra que contienen la mayoría de sus canciones, fijaba en ti su mirada y todo era mucho más intenso, sintiendo la letra aún más profunda si es que era posible. Por tanto no se puede negar ni aunque se quisiera la cercanía de Iván Ferreiro con su público; se le ve en todo momento (cuando no está al piano) moviéndose por el escenario y dirigiendo su atención a todos los que conforman el concierto, haciendo que te sientas parte él, no un mero oyente.
Muy cercano también con los miembros de su grupo que ponen música a sus canciones, no los olvidaba mientras cantaba acercándose a ellos y dejaba vibrar la voz a la vez que ellos hacían vibrar sus instrumentos.
Lo mejor es que Iván no se corta, gesticulando e interpretando con gestos teatrales, pero naturales, las letras de sus canciones, se posicionaba ante nosotros como una figura que no tiene miedo de exteriorizar lo que siente cuando canta. Cogía algunas posturas que rozaban lo cómico, pero que solo podían hacerte ver que él es todo un artista, con mayúsculas. Solo un artista puede decir tanto con una postura o transmitir sentimiento con una estrofa.
Todos estábamos encantados, y a pesar del humo y las luces usadas que le daban mayor teatralidad a la actuación, se nota a la legua al verle subido sobre el escenario que no necesita de efectos para que brille con luz propia y para que sus fans se vuelquen de lleno en los versos que el poeta canta con naturalidad entre gestos que dan énfasis a los detalles, dejando que el tono de su voz, peculiar y que le caracteriza, llegase al alma de cada uno de los que estábamos allí viéndole.
Por supuesto se guardaba un par de ases bajo la manga para sorprendernos. La primera sorpresa de la noche llegó de mano de Eva Amaral, que se unió al escenario entre vítores y gritos de todos nosotros; como no podía ser menos cantaron a duo la famosa canción de Años 80, para el deleite de todos. Sonó de maravilla en directo y todos lamentamos que terminase y que Amaral tuviese que abandonar el escenario que había ocupado por unos minutos.
Pero el concierto seguía adelante, ya empezaban con el adelanto de siempre: se despiden para volver a salir, aunque esta vez desapareció el grupo entero y solo volvió Ferreiro que cantó él solo, sobre el escenario y sentado al piano dos de las grandes canciones que siempre marcarán su trayectoria profesional: M y Promesas que no valen nada.
Solo diré una cosa: IM-PRE-SIO-NAN-TE, las dos. La de M, dulce, lenta y melancólica, como solo puede serlo una historia de amor que termina mal; la voz de Ferreiro arañaba casi el interior de todos y más de una lágrima se escapó. Os dejó la grabación de la canción, la calidad visual no es muy buena, lo siento, y la verdad es que la pillé empezada porque la impresión de saber que la iba a cantar, las primeras notas al piano y los primeros versos de la canción no me dejaron reaccionar a tiempo. Aun con todo aquí está, lo comparto con vosotros como un momento único.
Cuando siguió con Promesas que no valen nada todos seguimos gritando emocionados y vitoreando la elección que hacía de entre todas sus canciones. Esta también la gravé, pero como sabía que era muy larga solo gravé la última parte que terminó enlazando con la canción Insurrección de El último de la fila,. Fue un placer también poderla escuchar en directo, oír al público cantar y darle forma a la canción y sentirte parte de la voz que cierra una de las mejores canciones que se han hecho.
Os cuelgo el vídeo también, solo es la última parte, pero merece la pena, eso desde luego.
Y así se llegó a la segunda sorpresa de la noche: Xoel López, con quien cantó la preciosa canción de Tierra y la magnífica obra maestra musical Turnedo; esta última hay que decir que me desgañité cantándola, estaba muy emocionada, no sé cómo una canción puede decir tanto de la vida de una persona solo sumando versos… hay pocas canciones que lo logren, que sientas que te definen pero Turnedo es de esas canciones.
A partir de aquí ya se veía el final del concierto, se empezaba a vislumbrar el borde de la playa y se notaba que nadie del público quería encallar en ella y tener que desembarcar. La paz del piano cortado solo por la voz de Ferreiro había desaparecido y todos los miembros del grupo habían vuelto al escenario para terminar juntos lo que juntos habían empezado dos horas atrás.
Tras la marcha de Xoel tocó dos canciones más: El Dormilón y Mi furia paranoica, y con ellas dio por terminado el concierto. Aquí os dejo el Setlist del mismo para que no os perdáis ni una de las canciones que cantó.
Sinceramente, y aun sabiendo que era un concierto de su último disco, me sobraron algunas del actual y eché en falta alguna de las canciones pasadas como la de Piensa en Frío, o la de S.P.N.B, que hubiese dado una mano por poder escucharlas en directo, al igual que la de Tan Fácil que, a pesar de ser de Los Piratas, es una de las canciones más especiales para mí. Por ponerme exigente también diré que me hubiese gustado la que daba nombre al disco de Canciones para el tiempo y la distancia, aunque no tanto como la de Extrema Pobreza. Pero bueno, no se puede tener todo porque realmente fue enormísimo el concierto desde el primer minuto hasta el final y lo único que los fans pudimos lamentar, aparte de echar quizás de menos alguna canción, es que se terminase.
La pasión que Iván Ferreiro transmite y que sabe despertar en su público es lo mejor de verle sobre el escenario, todo lo que comunica con sus letras, con su voz que se une al canto continuo de todos los fans.
Deja Ferreiro Madrid para seguir con su gira, pero ni por un momento olvidaremos todo lo que nos ha dejado a su paso. Igual que en El fin de la eternidad, terminó su actuación pero no su música, quedándose en el tiempo y en la distancia como siempre ha hecho porque Iván es esa luz, que mira, "viene hacía aquí, déjala entrar."
Lluviosa era la tarde en la que La Riviera abría sus puertas a las 19:30 a los fans que íbamos a ver cantar a Iván Ferrerio. Era una tarde gris pero el estado climático no se reflejaba para nada en el ánimo de las 1000 personas que, calculo, se reunieron allí el sábado pasado.
Yo iba con mi pareja y con una amiga y, aunque nos planteamos hacer cola, debido al mal tiempo, decidimos merendar tranquilamente y unirnos para la apertura de puertas. Así lo hicimos y no tuvimos problemas para situarnos cerca del escenario: en segunda fila que estábamos, lo más cerca que he estado nunca en un concierto.
Sobre las 20:30 la sala ya estaba bastante llena y se empezaba a notar el calor, pero aun así tuvimos que esperar hasta pasadas las 21:00, momento en el que Iván Ferreiro hizo su aparición para no parar de animar a la sala durante poco más de dos horas.
Empezó con una de sus últimas canciones, del nuevo disco Historia y cronología del mundo, Twin Peaks, seguida de una de las más antiguas, una de las que cantaba cuando aún estaba con Los Piratas, grupo por el que conocí a este gran artista; así cantó El equilibrio es imposible, canción intensa donde las haya.
Tras ellas y un “empezamos” inició definitivamente el concierto metiéndose de lleno a cantar otra de las canciones de su último disco, la de Pájaro Azul y todos los que estaban bajo el escenario la cantamos a coro. Volvió hacia atrás en el tiempo con la siguiente canción cuando cantó Abrázame de su primer disco en solitario Canciones para el tiempo y la distancia, para demostrar que este no pasa en sus letras, dejándolas intactas e intachables.
Algo curioso de estar casi en primera fila es que presencias algunos detalles que desde otra posición pasarían desapercibidos, como es que durante las cuatro primeras canciones se dejó a los que venían con el pase de prensa fotografiar y gravar a pie de escenario las actuaciones, aunque a partir de la 4ª canción (la de Abrázame) se les cortó el acceso y ni siquiera se les volvió a permitir sacar las cámaras cuando volvieron a su sitio: tras la valla que marcaba la separación en un metro entre el público y el escenario.
El concierto iba sobre ruedas, se tocaron varias canciones del último disco para hacer gala al nombre de la gira entre las que destacaría mis favoritas: El bosón de Higgs y, grande, muy grande, El fin de la eternidad donde Iván Ferreiro, sentado al piano y cantándola, seguro consiguió poner los pelos como escarpias a más de uno; conmigo lo consiguió sin ninguna duda.
A veces estaba tan cerca que, mientras cantaba y tú le seguías envuelta en la música y en la mágica letra que contienen la mayoría de sus canciones, fijaba en ti su mirada y todo era mucho más intenso, sintiendo la letra aún más profunda si es que era posible. Por tanto no se puede negar ni aunque se quisiera la cercanía de Iván Ferreiro con su público; se le ve en todo momento (cuando no está al piano) moviéndose por el escenario y dirigiendo su atención a todos los que conforman el concierto, haciendo que te sientas parte él, no un mero oyente.
Muy cercano también con los miembros de su grupo que ponen música a sus canciones, no los olvidaba mientras cantaba acercándose a ellos y dejaba vibrar la voz a la vez que ellos hacían vibrar sus instrumentos.
Lo mejor es que Iván no se corta, gesticulando e interpretando con gestos teatrales, pero naturales, las letras de sus canciones, se posicionaba ante nosotros como una figura que no tiene miedo de exteriorizar lo que siente cuando canta. Cogía algunas posturas que rozaban lo cómico, pero que solo podían hacerte ver que él es todo un artista, con mayúsculas. Solo un artista puede decir tanto con una postura o transmitir sentimiento con una estrofa.
Todos estábamos encantados, y a pesar del humo y las luces usadas que le daban mayor teatralidad a la actuación, se nota a la legua al verle subido sobre el escenario que no necesita de efectos para que brille con luz propia y para que sus fans se vuelquen de lleno en los versos que el poeta canta con naturalidad entre gestos que dan énfasis a los detalles, dejando que el tono de su voz, peculiar y que le caracteriza, llegase al alma de cada uno de los que estábamos allí viéndole.
Por supuesto se guardaba un par de ases bajo la manga para sorprendernos. La primera sorpresa de la noche llegó de mano de Eva Amaral, que se unió al escenario entre vítores y gritos de todos nosotros; como no podía ser menos cantaron a duo la famosa canción de Años 80, para el deleite de todos. Sonó de maravilla en directo y todos lamentamos que terminase y que Amaral tuviese que abandonar el escenario que había ocupado por unos minutos.
Pero el concierto seguía adelante, ya empezaban con el adelanto de siempre: se despiden para volver a salir, aunque esta vez desapareció el grupo entero y solo volvió Ferreiro que cantó él solo, sobre el escenario y sentado al piano dos de las grandes canciones que siempre marcarán su trayectoria profesional: M y Promesas que no valen nada.
Solo diré una cosa: IM-PRE-SIO-NAN-TE, las dos. La de M, dulce, lenta y melancólica, como solo puede serlo una historia de amor que termina mal; la voz de Ferreiro arañaba casi el interior de todos y más de una lágrima se escapó. Os dejó la grabación de la canción, la calidad visual no es muy buena, lo siento, y la verdad es que la pillé empezada porque la impresión de saber que la iba a cantar, las primeras notas al piano y los primeros versos de la canción no me dejaron reaccionar a tiempo. Aun con todo aquí está, lo comparto con vosotros como un momento único.
Cuando siguió con Promesas que no valen nada todos seguimos gritando emocionados y vitoreando la elección que hacía de entre todas sus canciones. Esta también la gravé, pero como sabía que era muy larga solo gravé la última parte que terminó enlazando con la canción Insurrección de El último de la fila,. Fue un placer también poderla escuchar en directo, oír al público cantar y darle forma a la canción y sentirte parte de la voz que cierra una de las mejores canciones que se han hecho.
Os cuelgo el vídeo también, solo es la última parte, pero merece la pena, eso desde luego.
Y así se llegó a la segunda sorpresa de la noche: Xoel López, con quien cantó la preciosa canción de Tierra y la magnífica obra maestra musical Turnedo; esta última hay que decir que me desgañité cantándola, estaba muy emocionada, no sé cómo una canción puede decir tanto de la vida de una persona solo sumando versos… hay pocas canciones que lo logren, que sientas que te definen pero Turnedo es de esas canciones.
Y así se llegó a la segunda sorpresa de la noche: Xoel López, con quien cantó la preciosa canción de Tierra y la magnífica obra maestra musical Turnedo; esta última hay que decir que me desgañité cantándola, estaba muy emocionada, no sé cómo una canción puede decir tanto de la vida de una persona solo sumando versos… hay pocas canciones que lo logren, que sientas que te definen pero Turnedo es de esas canciones.
A partir de aquí ya se veía el final del concierto, se empezaba a vislumbrar el borde de la playa y se notaba que nadie del público quería encallar en ella y tener que desembarcar. La paz del piano cortado solo por la voz de Ferreiro había desaparecido y todos los miembros del grupo habían vuelto al escenario para terminar juntos lo que juntos habían empezado dos horas atrás.
Tras la marcha de Xoel tocó dos canciones más: El Dormilón y Mi furia paranoica, y con ellas dio por terminado el concierto. Aquí os dejo el Setlist del mismo para que no os perdáis ni una de las canciones que cantó.
Sinceramente, y aun sabiendo que era un concierto de su último disco, me sobraron algunas del actual y eché en falta alguna de las canciones pasadas como la de Piensa en Frío, o la de S.P.N.B, que hubiese dado una mano por poder escucharlas en directo, al igual que la de Tan Fácil que, a pesar de ser de Los Piratas, es una de las canciones más especiales para mí. Por ponerme exigente también diré que me hubiese gustado la que daba nombre al disco de Canciones para el tiempo y la distancia, aunque no tanto como la de Extrema Pobreza. Pero bueno, no se puede tener todo porque realmente fue enormísimo el concierto desde el primer minuto hasta el final y lo único que los fans pudimos lamentar, aparte de echar quizás de menos alguna canción, es que se terminase.
Sinceramente, y aun sabiendo que era un concierto de su último disco, me sobraron algunas del actual y eché en falta alguna de las canciones pasadas como la de Piensa en Frío, o la de S.P.N.B, que hubiese dado una mano por poder escucharlas en directo, al igual que la de Tan Fácil que, a pesar de ser de Los Piratas, es una de las canciones más especiales para mí. Por ponerme exigente también diré que me hubiese gustado la que daba nombre al disco de Canciones para el tiempo y la distancia, aunque no tanto como la de Extrema Pobreza. Pero bueno, no se puede tener todo porque realmente fue enormísimo el concierto desde el primer minuto hasta el final y lo único que los fans pudimos lamentar, aparte de echar quizás de menos alguna canción, es que se terminase.
La pasión que Iván Ferreiro transmite y que sabe despertar en su público es lo mejor de verle sobre el escenario, todo lo que comunica con sus letras, con su voz que se une al canto continuo de todos los fans.
Deja Ferreiro Madrid para seguir con su gira, pero ni por un momento olvidaremos todo lo que nos ha dejado a su paso. Igual que en El fin de la eternidad, terminó su actuación pero no su música, quedándose en el tiempo y en la distancia como siempre ha hecho porque Iván es esa luz, que mira, "viene hacía aquí, déjala entrar."
Jueves 26 de septiembre de 2013
CAFÉ ANATOLIA... MÚSICA PARA RELAJAR EL ESPÍRITU
Cultura en forma musical
Los que lo hayáis leído recordareis que hace unos meses estuve en la preciosa ciudad de Estambul, para lo que no, aquí os vuelvo a dejar el post que hice sobre esta preciosa ciudad turca que tan enamorada me tiene y que tan fácilmente conquista el corazón de todo aquel que la pasea.
Fue allí, en el mercado por el que paseamos el último día, situado tras la zona de la Mezquita Azul donde encontramos una tienda que vendía música turca, desde la calle del mercado se oía la música que tenía puesta, una música muy especial que en seguida me atrajo a mí y a mi familia por su ritmo, su calidez, su forma de expresar sentimiento sin letra… pues era toda instrumental, y yo creo que es precisamente este tipo de música la que más fácilmente puede llegar al alma del que la escucha. Decidimos comprar el CD que sonaba y así fue como calló en nuestra manos uno de los discos que Café Anatolia ha ido sacando a lo largo de los pasados años.
La verdad es que me encantaría poder contaros algo de su historia, cómo surgió, de dónde viene… pero no he encontrado nada (excepto su página de Facebook donde podréis hallar muchos de sus temas), así que en su lugar os pongo varios de sus temas que a mí, personalmente, me encantan y así, para variar, os pongo un post cortito, en el que el disfrute está en el sentido del oído y no tanto en el de la vista, aunque ya que estoy os he puesto un par de imágenes de Estambul y Kapadokya, dos lugares mágicos de Turquía que es obligatorio visitar, en especial esta última, que es como entrar en un cuento de hadas y que, precisamente, es una región histórica de Anatolia Central, por lo que supongo que algún tipo de relación tendrá con esta magnifica recopilación de música instrumental.
Sin más dilación aquí os dejo una selección de mis temas preferidos, espero que lo disfrutéis :-)
The Voilent Coloured Mountains
Yalnizim
Elipse
Eklemedir Koca Konak, que aunque es de otro disco (del de Yedi Karanfil) Café Anatolia lo recoge como una de las más hermosas canciones porque lo es.
Y por último, pero no por ello menos importante, Aldirma Gvnl
Y esto es todo, si queréis obtener más entrad en su página de Facebook que os he puesto más arriba o buscad en YouTube Café Anatolia, donde hasta tenéis algunos discos completos.
Espero que os haya gustado este estilo musical tanto como me gustó a mi cuando lo descubrí.
Martes 11 de junio de 2013
CONCIERTAZO DE SAUROM EN MADRID: RESEÑA, OPINIONES Y FOTOGRAFÍAS DEL DIRECTO
El sábado 8 de junio Saurom llenó la Sala Caracol con la gira de su nuevo disco VIDA, con el que hicieron a su público saltar, tener el puño en alto, disfrutar y emocionarse durante más de dos horas y media.
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| De Izquierda a derecha: Narci Lara, Raul Rueda, Miguel Franco y José Gallardo |
El sábado pasado acudí a mi primer concierto de Saurom en la Sala Caracol, muy cerca de Embajadores, que abrió sus puertas a las 20:30 y quería contaros como fue la experiencia. La verdad es que iba con las expectativas altas puesto que el nuevo disco me había gustado bastante y me parecía muy adecuado para la época que España está viviendo: lleno de esperanza y buenas vibraciones para afrontar los malos momentos, lleno de vida como bien indica su nombre y, sobretodo, lleno de grandes emociones entremezcladas con buena música como en sus anteriores discos.
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| Miguel con José y Raul dándolo todo |
No me defraudaron, de eso no hay duda, y me alegró mucho poder ir ya que desde que les escucho (en aquellos inicios en que aun se hacían llamar Saurom Landerth) en los que yo tenía apenas 15 años, les he ido siguiendo en sus avances y he podido ver como permanecía su esencia sin dejarla por el camino como les ha pasado a otros grupos. Aunque sí que es cierto que aquellas canciones casi incompresibles en lo que a la letra respecta del inicio como Regreso a las tierras medias o Nostradamus de su primer y segundo disco respectivamente, se han ido volviendo más claras, menos complejas y, en el fondo, más comerciales. No lo digo como crítica, me sigue encantando su música, pero sí que es cierto que se nota el cambio en lo que respecta a ese detalle.
Como ya sabréis este grupo español se mueven en el estilo de Juglar Metal: un conglomerado de música rock, folk y celta con letras basada en leyendas literarias, poemas, romances y cuentos tradicionales pero siempre con un trasfondo cultural y social que a veces se torna crítico. Una gran combinación que ha dado como resultado numerosas grandes y buenas canciones. Por eso se les esperaba con tantas ganas a estos juglares del metal que siempre traen consigo la magia y la fantasía de sus historias de otros tiempos hechas canciones actuales.
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| Dibujo de la portada Legado de Juglares hecho por mi en 2005 |
Iniciaron el concierto con "Nostradamus", canción del disco Legado de Juglares sacado a la venta en 2004, lo cual me trajo muchos recuerdos de mi época de adolescente, de muchas personas con las que descubrí estas canciones y con las que compartí grandes momentos aunque ya no estén en mi vida. Creo que esa es la magia de la música, que vive siempre contigo pase el tiempo que pase y quizás eso mismo pensó todo el público pues esta gran canción consiguió levantar sin esfuerzo a todo sus seguidores sin excepción, pues es un tema con mucha fuerza y vitalidad. Fue fantástico escucharla en directo, la verdad. Siguieron con varios temas de más discos antes de empezar con las canciones de su disco Vida, el cual lo iniciaron con, si no me acuerdo mal, la "Leyenda de Gambrinus", reflejo de una buena fiesta llena de vida y jolgorio.
Lo cierto es que la sala parecía quedarse pequeña para todos los que estábamos allí pegando saltos y desgañitándonos con sus canciones. Son un grupo que hace el concierto muy ameno, que le pone mucha pasión encima del escenario y que son cercanos con su público; ofrecen mucho espectáculo y los componentes del grupo no paran de moverse por el escenario dando brincos como verdaderos juglares mientras tocan las canciones.
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| Narci y José: violín y bajo fundiéndose en uno... Impresionantes |
No hay duda de que un directo de Saurom es un espectáculo lleno de alegría, con mucho color y lleno de luz que acompañan a la música, la cual, si ya es buena de por si, se convierte en todo un placer para el que la escucha. Desde la primera canción hasta la última estos juglares gaditanos demostraron que venían con ganas de fiesta y que querían un público que se moviese, bailase y cantase con ellos... obviamente lo consiguieron, porque está claro que cuando el que está en el escenario disfruta el que lo ve y acompaña también lo hace.
Durante toda la actuación se fueron intercalando temas de su último disco Vida como "El hada y la luna", "Angeles", "Initmos recuerdos" o "La poetisa" con algunos de sus trabajos anteriores, en especial de Juglar Metal y El guardián de las melodías perdidas: "La musa y el espíritu" o "Dioses eternos" del primero y del segundo "El Saltimbanqui" o "La ley de las hadas". Por supuesto hubo muchos temas más de los discos, para los más interesados aquí os dejo el SetList, aunque en resumen deciros que tocaron 7 temas de Vida, 6 de Juglar Metal, 4 de El guardián de las melodías perdidas, 3 de Once Romances, y 2 de Legado de Juglares, Maryam y Sombras del Este.
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| Imagen del disco VIDA, canción Cambia el Mundo |
Del disco de Vida destacar la canción de "Cambia el Mundo", que me encanta y que habla de nuestra madre Tierra y de cómo cada uno de nosotros, con una pequeña acción y desde el respeto, podremos iniciar el gran cambio que necesitamos para encaminar nuestra vida. También destacar la canción de "La Noche de Halloween" a la que todos le pusimos mucho espíritu cuando cantábamos "esta noche voy contigo, quiero brindar junto a ti" alzando el brazo hacia el escenario.
De todas formas esta canción también es destacable porque el grupo tuvo el detalle de invitar a la ganadora del concurso de cover de esa canción, Alba Rico, al escenario para que la cantase con ellos y la verdad es que lo hizo bastante bien, quién sabe si un día no la veremos a ella sola encima de un escenario con su propio grupo.
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| Alba Rico en el Concierto de Saurom |
Del resto de los temas tocados destacar "Dracum Nocte" y "El Arquero del Rey", la primera me encanta pero las segunda me trajo grandes y agradables recuerdos de otros tiempos. También sonaron temas antiguos como "Mendigo" que no me esperaba que fuesen tocados y todos la cantamos acompañando a Miguel y sintiendo de verdad la perdida de ese fiel amigo animal.
También destacar "La batalla con los cueros de vino" donde Narci Lara sacó la gaita dándole luz propia a la canción con su maestría. La gaita es un instrumento realmente impresionante y capaz de alegrar el espíritu de quien lo oye y allí estuvimos todos con Don Quijote en sus batallas, contagiados por su locura y la de este magnífico grupo que te hace vivir todo lo que tocan.
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| José y Raúl |
Respecto a nuestros juglares qué decir, que no pararon en todo momento, en especial José y Raúl que no dejaron de dar saltos y de moverse por el escenario con su bajo y guitarra por bandera, Miguel no dejaba de acercarse al público y de tocar las manos de aquellos que estaban en primera fila y Narci, cuya multitud de aptitudes musicales no dejaron de sorprenderme, cantaba, tocaba la guitarra, la flauta travesera, la gaita y el violín... un auténtico juglar sin duda. Pero por supuesto no olvidarnos de Antonio Ruiz al frente de la batería cuyas baquetas no pararon en ningún momento ni del magnífico Santi Carrasco al teclado para dar a las canciones su toque delicado y melódico.
Pero creo que lo que más me impresionó no fue la actuación o espectáculo, ni siquiera fue la música, fue la actitud que había entre ellos, muy cercana y amistosa que rebosaba cariño pues todo el tiempo se agrupaban y se juntaban, se abrazaban o se apoyaban los unos en los otros para compartir aquel momento, incluso con Santi y Antonio que estaban sentados con sus instrumentos y no podían moverse como Raúl, Narci, Miguel o José, estos se movían hacia ellos para que en ningún momento pasasen desapercibidos.
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| Narci, Miguel con José y Raúl |
No hay duda de que las dos horas y media se nos pasaron volando y que nadie quería irse, pero había que terminar y para ello nuestros juglares cerraron con la canción de "Fiesta" de El Guardián de las melodías perdidas como penúltima canción y, cómo no, para cerrar el telón eligieron "La Taberna" de Juglar Metal con la que todos bailamos hasta más no poder pues, ya lo dice la letra, no queríamos parar.
Pero como todo lo bueno se acaba para poder seguir disfrutando en la próxima ocasión el concierto terminó, así que solo me queda decir que gracias a estos grandes por regalarnos una noche tan mágica donde se demuestra que cuando se disfruta con lo que haces consigues que los demás disfruten de tu trabajo, y gracias por regalarnos una noche en la que lo pasamos en grande junto a los grandes que nos trajeron su fantasía y su buena música a Madrid.
¡Hasta pronto juglares!
Domingo 14 de abril de 2013
LAS DROGAS Y SU MENSAJE OCULTO EN LA MÚSICA
Déjalo ya, sabes que nunca has ido a Venus en un barco... Quieres flotar pero lo único que haces es hundirte"
Barco a Venus. Mecano
La humanidad siempre ha buscado formas de expresarse a través de cualquier medio que tuviese entre las manos y con la creación de la música consiguió un vehículo que todo el mundo, desde cualquier cultura, ha utilizado para expresar las vivencias y sentimientos. A lo largo de la Historia la música ha ido retratando los perfiles de las personas y de las situaciones que se han ido viviendo, diciendo de manera explícita lo que pasaba en el mundo o camuflando en sus letras mensajes que estaba prohibido decir en voz alta… convirtiendo a las canciones en una forma de explicar y contar las realidades sociales.
A continuación os pongo una selección de canciones, consciente de que me dejaré muchas en el tintero, en el que intentaré abarcar varios géneros y varias épocas. Seguro que muchos conocéis la mayoría pero espero que si conocéis alguna más que os parezca necesario incluir y contribuir a esta selección comentéis ya que toda aportación será más que bienvenida.
Por empezar por orden de antigüedad destacar el grupo Leño, cuyo primer disco se publicó en 1979 y se tituló con el nombre del grupo. En él que se incluyó la canción El tren, una amarga metáfora del submundo de la droga que dice así: “Sube a mi tren azul, su dulce chimenea te puede dar algo que hace tiempo buscas tú; si controlas tu viaje serás feliz.”
La droga se presenta aquí como un medio de transporte, como una forma de viajar obviamente a un lugar dulce pero peligroso que se ha de controlar para no acabarlo mal. Utilizar la metáfora de la droga como un medio para “viajar” es un recurso que también utilizó Miguel Ríos cuando introdujo Un caballo llamado muerte en su disco Los viejos rockeros nunca mueren también en 1979, lo único que el medio de transporte era un caballo, mucho más simbólico aun que un tren, pues el caballo es precisamente el nombre que se le da a la heroína.
Una metáfora áspera y triste que muestra un lado de las drogas mucho más oscuro que la canción de Leño:
"No montes ese caballo “pa” pasar de la verdad,
mira que su nombre es muerte y que te enganchará.
Es imposible domarlo, desconoce la amistad,
es un caballo en la sangre, que te reventará.
Por el camino del caballo tendrás un espejismo,
cuando te creas más libre es cuando más cogido estás."
Los siguientes en esta lista son Los Secretos, con Ojos de perdida, canción incluida en su álbum Polydor (1981) en la que se narra esa relación con las drogas simulada tras la “figura” de una mujer, caracterizándola al ponerla ojos como si fuese una persona real. En esta canción se expresa una manifestación en contra de las drogas, exteriorizando un rechazo antes su presencia que impone su voluntad e impide soñar, convirtiéndose en una cárcel y en la perdición de aquel que se adentra dentro de su mundo: “No puedo soportarlo, no puedo aguantar más, pero cuando me miras no sé cómo evitar esa mirada loca que me hace dudar. No sé si soy yo mismo, no tengo voluntad, no tengo voluntad.
Vete ya de mi vida, déjame en paz, tus ojos de perdida no me dejan soñar.
Me habían avisado y no quise escuchar, ahora estoy atrapado, no sé cómo escapar. Cada vez que lo intento te vuelven a brillar tus ojos de perdida, me vuelven a cazar."
De Los Secretos también es muy conocida la de Agárrate a mi María en la que María o bien puede ser la droga o la mujer a la que acude para pedir ayuda: “Te juré que había cambiado y otra vez te mentí. Estoy como antes colgado y por eso vine a ti. Abrázame fuerte a mí, María. Agárrate fuerte a mí.” Lo cierto es que es muy simbólica, tanto el nombre de la mujer (si es que realmente se refiere a una mujer) como la letra de la canción.
Otra forma de analizar el mundo de la droga a través de la música es cantando la experiencia de otra persona en ese mundo, narrando con una melodía de fondo lo que les ocurre a las personas que eligen esta puerta de salida.
En esta línea está la canción de Clara de Joan Baptista, del disco Hay que vivir (1981) en el que este gran cantante refleja el drama de las drogas a través de la vida que lleva una joven que se acaba destruyendo en todos los sentidos:
“Esperando hacer amigos por la nieve, al abrigo de otra lucidez.
Descubriendo mundos donde nunca llueve, escapando una y otra vez, achicando penas para navegar.
Estrellas negras vieron por sus venas y nadie quiso preguntar.
Clara se vio atrapada, abandonó el trabajo, se vino abajo. Clara, languidecida perdida en un camino de ansiedades y ambrosías.”
Un poco más tarde, en 1985 y siguiendo la línea de la canción de Clara, Joaquín Sabina creó una canción Princesa, por supuesto, que habla del amor y de la muerte, de lo que pudo ser y se quedó en nada sin que haya ninguna solución posible de solucionarlo.
En esta canción se ve cómo se destruyen la vida de las personas por culpa de las drogas, incluso hasta el punto de que hay que dar la espalda a quien se quiere para evitar que te destruya con él… hablo de
En esta canción se ve cómo se destruyen la vida de las personas por culpa de las drogas, incluso hasta el punto de que hay que dar la espalda a quien se quiere para evitar que te destruya con él… hablo de
“Ya no te tengo miedo nena pero no puedo seguirte en tu viaje.
Cuántas veces hubiera dado la vida entera porque tú me pidieras llevarte el equipaje.
Ahora es demasiado tarde, princesa...
Tú que sembraste en todas las islas de la moda las flores de tu gracia,
¿Cómo no ibas a verte envuelta en una muerte con asalto a farmacia?”
Se dice que está canción habla de la relación romántica entre John F. Kennedy y Marilyn Monroe. Todos sabemos que Marilyn tuvo dependencia de las drogas, y a pesar de todo esto ella impuso su moda con la forma de vestirse y hacerse el maquillaje, “de la boca de fresa” que se traduce a sus labios pintados y que tantas mujeres imitaron. Aun con todo es una canción triste que habla de la vida de una chica triste a la que al fina hasta el hombre que la quiere la da la espalda y a la que las drogas acabaron destrozando y quitando la vida, bien Marilyn podría interpretar ese papel.
Se dice que está canción habla de la relación romántica entre John F. Kennedy y Marilyn Monroe. Todos sabemos que Marilyn tuvo dependencia de las drogas, y a pesar de todo esto ella impuso su moda con la forma de vestirse y hacerse el maquillaje, “de la boca de fresa” que se traduce a sus labios pintados y que tantas mujeres imitaron. Aun con todo es una canción triste que habla de la vida de una chica triste a la que al fina hasta el hombre que la quiere la da la espalda y a la que las drogas acabaron destrozando y quitando la vida, bien Marilyn podría interpretar ese papel.
En 1989 La Frontera publicó la Rosa de los Vientos en el que se incluyó la canción El límite en el que el grupo cantó refiriéndose a un viejo amigo, reviviendo la vida que llevaron y que no era muy buena pero que desde luego les gustaba pues el anhelo final es poder volver a él. No hace una referencia clara a las drogas aunque sí que el límite del bien y del mal se puede identificar con este mundo, esa frontera que no se ha de cruzar:
“En el límite del bien, el límite del bien.
En el límite del mal, el límite del mal.
Te esperaré en el límite del bien y del mal.
No es difícil encontrar el paraíso en la oscuridad.
La fortuna viene en un barco sin rumbo y sin capitán.”
Pero La Frontera no es el único grupo que usó una referencia a las drogas como límite entre un mundo y Mecano en su gran y explícita canción sobre las drogas (aunque la palabra “droga” en si misma no sea mencionada) Ellago artificial, empieza maldiciendo el día en que dio paso en la frontera, en ese punto en el que no habría marcha atrás. Es frecuente, como ya se ha visto, revestir a la droga de mujer en la música, hablando de esa relación de amor que se tiene con ella. En este tema, igual que con Barco a Venus (citado como introducción), Perdido en mi habitación o Aire, podemos encontrar muchísimas metáforas de las drogas entre los acordes de la canción. En este caso, como en tanto otros, se disfraza de nuevo a la droga en una tortuosa relación de amor que inicia un viaje que no suele acabar bien ya que es una constante de “ni contigo ni sin ti” que destruye a la persona implicada en esa relación.
otro,
Lo cierto es que cuando nos paramos a escuchar la letra sus versos nos descubren que hay algo más que un simple amor de verano: “Como en cualquier amor el primer mes fue el bueno y pronto, pronto, desapareció el placer. Tu solo nombre avivaba en mí el deseo que alimentabas con un agujero nuevo. Pero después aquel temblor bañado por el agua del sudor mil veces intenté aguantar, mil veces más te tuve que buscar. Te encontré en los callejones y en los lúgubres rincones de mi ciudad”. Este gran tema fue incluido en el disco Aidalai, publicado en 1991.
Y pasando de lo nacional a lo internacional mencionaros a los famosos Beatles, como no, destaca Lucy in the sky with diamonds, escrita por John Lennon y grabada en 1967 por el grupo, que no es tan inocente como simplemente podría uno pensar al escucharla por primera vez. Aunque no es la única canción que parece lo que no es, un recurso muy usado en la música es juntar la religión y la droga, incluso disfrazar a la segunda de la primera.... y con este recurso aparece la conocida Let it be, canción incluida en su último disco (del mismo nombre que al canción) y grabada en 1970, que nos canta como en los malos tiempos podemos acudir a la Madre María que, lejos de hacer referencia a la Virgen María como podría parecer en un principio, es un eufemismo para hablar de la madre marihuana: "When I find myself in times of trouble, Mother Mary comes to me speaking words of wisdom: let it be."
Respecto a la banda inglesa Oasis es difícil escoger ya que como bien declaró Noel Gallagher, compositor y principal guitarra del grupo, en una entrevista "Los tres primeros discos de Oasis fueron escritos bajo la influencia de las drogas. Antes de 1997 no escribí ninguna canción sin la ayuda de la antigua mercancía colombiana." Sin embargo si he de elegir una creo que me quedaría con Morninga Glory, a través de la cual se cuenta la vida que los jóvenes llevan delante del espejo y con cuchillas de afeitar (los utensilios típicos que se usan para esnifar cocaína) y de cómo sus sueños se cumplen ante este encadenamiento. Una canción que habla de la necesidad de despertar para despejar la mente, para dejarla descansar.
"La última raya de coca ensuciaba en espejo volcado. Y en el suelo gotas de sangre, porque un grumo te ha cortado. Dime cómo ves el mundo exiliado en cada lavabo, contando cada minuto, administrándote los gramos.
Y pasando de lo nacional a lo internacional mencionaros a los famosos Beatles, como no, destaca Lucy in the sky with diamonds, escrita por John Lennon y grabada en 1967 por el grupo, que no es tan inocente como simplemente podría uno pensar al escucharla por primera vez. Aunque no es la única canción que parece lo que no es, un recurso muy usado en la música es juntar la religión y la droga, incluso disfrazar a la segunda de la primera.... y con este recurso aparece la conocida Let it be, canción incluida en su último disco (del mismo nombre que al canción) y grabada en 1970, que nos canta como en los malos tiempos podemos acudir a la Madre María que, lejos de hacer referencia a la Virgen María como podría parecer en un principio, es un eufemismo para hablar de la madre marihuana: "When I find myself in times of trouble, Mother Mary comes to me speaking words of wisdom: let it be."
De 1977 se puede destacar también a Eric Clapton con su tema Cocaine que, sin camuflajes ni florituras, habla de la cocaína con sus cosas buenas y con sus cosas malas porque ya lo dice la canción: ella no miente; él que la toma sabe que hacerte olvidar las penas o puede hacer que caigas al suelo.
"If you wanna get down, down on the ground; cocaine.
She don’t lie, she don’t lie, she don’t lie; cocaine.
if you got bad news, you wanna kick them blues; cocaine."
Respecto a la banda inglesa Oasis es difícil escoger ya que como bien declaró Noel Gallagher, compositor y principal guitarra del grupo, en una entrevista "Los tres primeros discos de Oasis fueron escritos bajo la influencia de las drogas. Antes de 1997 no escribí ninguna canción sin la ayuda de la antigua mercancía colombiana." Sin embargo si he de elegir una creo que me quedaría con Morninga Glory, a través de la cual se cuenta la vida que los jóvenes llevan delante del espejo y con cuchillas de afeitar (los utensilios típicos que se usan para esnifar cocaína) y de cómo sus sueños se cumplen ante este encadenamiento. Una canción que habla de la necesidad de despertar para despejar la mente, para dejarla descansar.
Y ya para terminar mencionaros un par de temas ya de mi época de niñez y adolescencia que marcaron su espacio en mi memoria. Estopa con su primer disco publicado en 1999 incluyo entre sus temas Exiliado en el lavabo, una canción muy triste sobre los estragos de la droga en las personas desde el punto de vista del amigo del drogadicto que ve cómo el otro se está destrozando y lo ha ido perdiendo todo:
"La última raya de coca ensuciaba en espejo volcado. Y en el suelo gotas de sangre, porque un grumo te ha cortado. Dime cómo ves el mundo exiliado en cada lavabo, contando cada minuto, administrándote los gramos.
Dime cómo ves mi cara desde tus ojos desquiciados. Dime cómo huele el viento desde tu tabique blanco.
He venido a contarte que tu novia te ha dejado, que ya no le funcionas, que estás acabado. Me ha dicho que cuando te vea te dé un abrazo.
Creo que soy el único que sigue a tu lado."
Por supuestos hay más canciones sobre la droga, sobretodo de sus primeros discos como la de Ojitos rojos e incluso de su maqueta como Miriam. Canciones sobre los efectos de las drogas, de cómo llegar y de cómo se vive con ellas.
"Hoy maldigo la hora en que nos conocimos,
También destacar a Ska-p, por supuesto, los grandes de mi época de jovenzuela con innumerables canciones sobre la droga desde el punto de vista a favor de la legalización como Cannabis o Como me pongo, aunque sin duda me quedo con la de Mis colegas, una gran canción que habla de los amigos y del paso del tiempo, todo en relación a la convivencia con las drogas hablando de ese submundo a la sombra de la sociedad que ha roto tantos sueños.
Y por último hablaros de Sphinx, de su tercer disco publicado en 2005 Paraíso en la eternidad, en el que incluyeron la canción Esclavo de tu maldición que habla en primera persona la vivencia de un adicto en plena lucha contra la droga y sus efectos con esa relación de amor-odio que realmente casi parece que habla de una mala relación de amor en la que ella es una manipuladora (lo cual no está muy lejos de la verdad). Sin embargo, por debajo de esa relación y si se escucha de verdad, es una gran canción que habla de la esperanza de desengancharse y romper con la adicción que impone, una declaración de guerra y rebeldía contra uno de los grandes males de nuestra sociedad.
Con ella me despido, con palabras de lucha, porque creo que así es como hay que referirse a este mal social: con palabras de esperanza para todos aquellos que luchan día a día por salir y también para que aquellos que aun no ven en qué mundo están metidos abran los ojos y luchen contra su aliento de muerte.
"Hoy maldigo la hora en que nos conocimos,
tu sonrisa escondía el veneno que guardas en tu interior.
Hoy no quiero seguir malgastando contigo.
Romperé tus cadenas y viviré sin tu sucia voz.
Viniste a matarme y sin compasión, ese será mi final.
Viniste a matarme y sin compasión, ese será mi final.
No voy a dejar cumplir tu misión apagando tu fuego infernal.
Preso en tus manos sin redención, hoy confieso mi culpa.
Pero un día no lejos mis manos podrán con tu adición.
Hoy no quiero probar tu placer, no daré más tu precio.
No quiero tu aliento de muerte. No soy esclavo de tu maldición."
Preso en tus manos sin redención, hoy confieso mi culpa.
Pero un día no lejos mis manos podrán con tu adición.
Hoy no quiero probar tu placer, no daré más tu precio.
No quiero tu aliento de muerte. No soy esclavo de tu maldición."
Martes, 29 de Enero de 2013
GANGNAM STYLE COMO FENÓMENO SOCIAL
Mil millones de reproducciones y cerca de 8 millones de dólares en poco más de cinco meses. Estos datos de mediados de diciembre de 2012 sobre la canción Gangnam Style del artista surcoreano Psy me han hecho plantearme una entrada de blog de recopilación sobre todo aquel contenido que ha surgido a raíz de la cancioncita que tanto nos ha hecho reír y bailar. No creo que nadie desconozca este tema que, a través de las redes sociales, ha conseguido el mayor índice de audiencia y que, como un virus, se ha extendido por el mundo pero no solo en su forma original, sino también trasmutada a otras versiones y parodias que han hecho de la canción una forma de expresión particular de todos los temas sociales.
Una de las cosas que ha hecho que tenga tanto éxito es que el vídeo carece de copyright, lo que quiere decir que favorece al efecto viral ya que no supone ningún problema a aquellos que quieran versionarlo o modificarlo. Esto ha hecho que cuando "Gangnam Style" tenía cerca de 300 millones de vistas, más de 33 mil vídeos fueron identificados por el sistema del servicio como vídeos que usaban "Gangnam Style" pero que no eran la canción original sino distintas versiones del mismo.
No se puede negar que es un vídeo que llama la atención: con un ritmo pegadizo y unas imágenes bastante estrambóticas que denotan una gran falta del sentido del ridículo, el espectador se ríe porque, incluso aunque le parezca absurdo, le entretiene. Yo misma lo vi por primera vez porque me lo enseñaron unos amigos y yo se lo enseñé a otros a su mismo tiempo favoreciendo este contagio viral. Cuando lo vi me reí porque no me podía creer lo que veían mis ojos, era tan ridículo, divertido, espontáneo e impactante que a pesar de que hasta había partes que me desagradaban un poco lo seguía viendo… hasta lo bailamos en Nochevieja en nuestro grupo de amigos.
No se puede negar que es un vídeo que llama la atención: con un ritmo pegadizo y unas imágenes bastante estrambóticas que denotan una gran falta del sentido del ridículo, el espectador se ríe porque, incluso aunque le parezca absurdo, le entretiene. Yo misma lo vi por primera vez porque me lo enseñaron unos amigos y yo se lo enseñé a otros a su mismo tiempo favoreciendo este contagio viral. Cuando lo vi me reí porque no me podía creer lo que veían mis ojos, era tan ridículo, divertido, espontáneo e impactante que a pesar de que hasta había partes que me desagradaban un poco lo seguía viendo… hasta lo bailamos en Nochevieja en nuestro grupo de amigos.
Es curioso como todo el mundo se ha subido al carro de este artista coreano que, en el fondo, no pretendía más que hacer una crítica social y una parodia del capitalismo y consumismo exagerado de un barrio de Corea del Sur, el Barrio Gangnam: el barrio más rico y ostentoso de Seul, comparable al Wall Street, Beverly Hills o Miami Beach. En el vídeo vemos a Psy intentando de manera cómica y siempre con pésimos resultados vivir al estilo Gangnam, como un burgués más de Corea del Sur.
La verdad es que el hecho de que sea una parodia no es un dato que sorprenda ya que, como ya he dicho, el vídeo es tan ridículo que en seguida se comprende que encierra una sátira social. Esta sátira es lo que ha hecho que surjan otras que representan de manera cómica el mal momento que estamos viviendo aquí en España.
Una de estas versiones está hecha desde Tenerife, en las Islas Canarias, por parte de Rudy y Ruymán, que tienen un canal en Youtube a través del cual han extendido esta versión del Gangnam Style en el que, con humor, retratan la situación actual en la que nos encontramos los españoles con la Crisis y los recortes de Rajoy en sanidad, educación y prestaciones sociales. Su lema para el vídeo “¡¡Vamos a tomarnos con humor la situación que vive la sociedad de hoy en día!!” Y así lo han hecho, aquí os lo pongo para que os riáis un rato:
Pero no es la única versión sobre la situación española, el político Mariano Rajoy también canta cómo está la situación en España al ritmo del Gangnam Style. Obviamente no es Rajoy pero si una buena muestra de cómo se han metido las figuras políticas dentro de esta canción y cómo se ha ayudado a que se extienda como la pólvora a través de Internet.
Como figuras políticas también entran en estas parodias el propio Obama que, con la primera dama, hacen un baile de su propia canción: el Obama Gangnam Style. Tampoco podía faltar el típico vídeo de Hitler cantando el Gangnam Style, eso si, no le pidáis que baile porque eso iba a ser demasiado para el ex dictador.
Si que es cierto que algunos temas dejan mucho que desear y que las rimas no son las mejores del mundo, pero aun así siguen gustando al personal. La verdad es que más allá de la política en el mundo del cine también encontramos esta canción y los personajes de Star Wars y de El Señor de los Anillos también tienen su propio baile y letra específica de la canción.
Os dejo a continuación el GANDALF STYLE:
Igual que vemos a Gandalf bailando el estilo Gangnam también encontramos a los personajes de Star Wars observando el estilo incomparable de Psy y también participando y haciendo posible que figuritas inanimadas cobren vida con los movimientos de este baile que desde luego, al igual que muchos antes que él, serán recordados y reconocidos en cualquier lugar.
Y tampoco pueden faltarnos Lobezno o Deadpool por parte de Marvel. En la imagen vemos a Hugh Jackman con la estrella Psy bailando el Gangnam Style y llevando ambos las cuchillas que el actor muestra en la saga X-Men. Hay varias fotos de aquella sesión donde no se puede dudar de que la risa estuvo asegurada cuando Psy le enseñó a Lobezno a moverse como le corresponde a todo héroe de la gran pantalla: con estilo Ganganam.
Si ha llegado hasta los grandes mitos del cine no puede extrañarnos que también llegue al cine y televisión de los más pequeños. De esta forma nos encontramos a Pocoyo que también sabe bailar este estilo inconfundible acompañado de sus amigos. También nos encontramos a los little pony bailando y compartiendo este estilo que tanta revolución ha causado. Os pongo los vídeos porque tampoco tienen ningún desperdicio:
Por supuesto si nos metemos en el mundo infantil no podía faltar Disney, aquí tenéis a todas las princesas Disney con sus gafas de sol y bailando la famosa danza, incluida la parte del ascensor que a tantos nos resulta tan cómica.
Como son muchos os he puesto solamente los vídeos del Minecraft y del Final Fantasy pero aquí os dejo el del Assassin's Creed, el del WOW y el del Halo. Seguro que hay muchísimos más videojuegos que actualmente se mueven al ritmo de Psy pero he elegido estos porque me han parecido los más representativos; espero que los disfrutéis.
Youtube ha sido el gran canal por el que se ha producido el contagio, y de tal magnitud ha sido que la red social ha creado su propio Youtube Style con el Gangnam Style de fondo a conjunto con la de Call me baby para destacar los vídeos más vistos de la red en el 2012.
Youtube ha sido el gran canal por el que se ha producido el contagio, y de tal magnitud ha sido que la red social ha creado su propio Youtube Style con el Gangnam Style de fondo a conjunto con la de Call me baby para destacar los vídeos más vistos de la red en el 2012.
El contagio ha sido tal que ni los animales se libran de bailar el Gangnam Style: caballos, gatos y hasta animales menos comunes como las ranas se mueven al ritmo de Psy. En Interne y en las redes sociales hay muchísimas fotos que convierten a los animales en una fuente explotable para parodiar la canción y que esta se siga transmitiendo por las redes sociales.
Todo el mundo se ha contagiado de esta canción que a todos nos pareció tan ridícula en un principio. Sin embargo ahora nos encontramos con miles y miles de vídeos que imitan y versionan la canción. Se ha creado una revolución nueva, que nadie se esperaba pero en la que todos hemos participado: creando los vídeos, las imágenes y compartiéndolas… incluso este post es pare de ese gran proceso social que las redes sociales e Internet han facilitado.
Puede parecer que este no es un tema cultural, aunque el tema principal sea la música, pero eso sería un error porque en este blog lo que se trata es de las distintas formas de difusión que hay de la cultura: libros, exposiciones, conciertos, etc. Por lo que ver cómo se ha extendido esta canción es una manera de ver formas de difusión que hace años no se podrían ni plantear y que han convertido este tema en todo un fenómeno social. Lo cultural es un tema formativo también y el ejemplo que ha generado Psy es muy instructivo: ha utilizado su canción no como un producto, sino como una forma más de promoción sin ejercer ningún tipo de derechos de autor permitiendo que su imagen, su música y sus bailes se realicen sin ningún tipo de sanción permitiendo que se convierta en la sensación que es actualmente y que ha producido este efecto viral entre las personas, contagiándose de unas a otras con ayuda de Internet y de las redes sociales.
A este ritmo no sería para nada de extrañar que encontrásemos a Psy bailando en la luna al estilo Gangnam... bueno, realmente, si que es posible.
Domingo, 4 de Noviembre de 2012
ISMAEL SERRANO Y SUS CONCIERTOS
Crónica del pasado y expectativas para el futuro
Cinco días quedan para ese gran concierto en el Teatro Circo Price, los días de entresemana para llegar a ese fin de semana donde Ismael Serrano cantará, tocará y hablará para su público madrileño. El tiempo de espera para volverle a ver en directo no se ha hecho tan largo como en otras ocasiones: apenas un año y medio se ha hecho esperar para su siguiente gira ante un nuevo disco Todo empieza y todo acaba en ti. Lo cierto es que el concierto dado en Madrid el 8 y 9 de abril de 2011 ha dejado un gran recuerdo en todos sus espectadores, lo cual deja muy altas las expectativas para el siguiente que, en los días 10 y 11 de noviembre, volverá a hacer sonar las música en directo de este gran cantautor.
Cinco días quedan para ese gran concierto en el Teatro Circo Price, los días de entresemana para llegar a ese fin de semana donde Ismael Serrano cantará, tocará y hablará para su público madrileño. El tiempo de espera para volverle a ver en directo no se ha hecho tan largo como en otras ocasiones: apenas un año y medio se ha hecho esperar para su siguiente gira ante un nuevo disco Todo empieza y todo acaba en ti. Lo cierto es que el concierto dado en Madrid el 8 y 9 de abril de 2011 ha dejado un gran recuerdo en todos sus espectadores, lo cual deja muy altas las expectativas para el siguiente que, en los días 10 y 11 de noviembre, volverá a hacer sonar las música en directo de este gran cantautor.
Bajo mi humilde opinión las expectativas están muy altas. En el último concierto pudimos disfrutar de más de tres horas de concierto donde hubo canciones, monólogos, risas e incluso alguna lagrimilla ya que muchos de los presentes se emocionaron durante distintos momentos de la actuación.
Lo cierto es que con su octavo trabajo se puede apreciar sin ninguna duda que el cantautor está haciendo una oda por el cambio social porque, como él mismo dice, “ahora hay más razones que nunca para protestar”. Por eso me surgen dudas sobre qué canción elegirá para iniciar su concierto de Madrid; lo normal sería que la iniciase con la canción a la que más “bum” ha dado, pero si lo que él pretende con su disco es despertar las conciencias la de Despierta, para empezar con fuerza y despertar a su público, tampoco sería una mala opción. Habrá que esperar supongo.
El Teatro Circo Price esta vez también volverá a ser testigo de sus canciones, es un lugar muy apropiado para la música de Ismael, sin ser ni muy grande ni tener grandes excesos, es sencillo, como es él. La escenografía siempre es un clásico de los conciertos de Ismael, me preguntó que escenario prepará esta vez; en Acuerdate de vivir representaba el salón de su casa, lo que le dio mucho juego a la hora de cantar canciones como Mensaje en el contestador, e incluso para poder ir encaminando sus canciones que las introdujo con monólogos sobre sus vecinos que, en conjunto, tomaban sentido formando una gran historia que a más de uno nos arrancó una carcajada. En el fondo ir a un concierto de Ismael Serrano es como sumergirse en la lectura de un buen libro: las canciones fluyen entre los monólogos de manera unida, creándose una gran conexión entre lo que cuenta y lo que canta.
Es de esperar, por no decir que es obvio, que en este concierto sea su último disco el que se lleve la mayor parte del protagonismo, sin embargo, al igual que en la gira de Acuérdate de vivir estoy segura de que las canciones míticas, sus grandes viejas joyas, como Papá, cuéntame otra vez, Vértigo, Vine del Norte o La extraña pareja, no faltarán. En el último concierto tocó de seguido las tres canciones que más me tocan de sus discos anteriores: Ya ves, Fragilidad y Caperucita. Fue impresionante.
Creo que lo más asombroso de su actuación es la intensidad con la que canta, si en los discos ya emociona, en persona es otra historia, se vuelca en sus canciones. A veces se le nota cansado, incluso algo triste; como buen cantautor sus letras vienen de lo más hondo y yo creo que pone toda su alma al cantarlas, por lo cual no es normal que se agote e incluso se emocione con lo que canta.
Bajo mi humilde opinión las expectativas están muy altas. En el último concierto pudimos disfrutar de más de tres horas de concierto donde hubo canciones, monólogos, risas e incluso alguna lagrimilla ya que muchos de los presentes se emocionaron durante distintos momentos de la actuación.
El pequeño teatro estaba lleno cuando el artista salió al escenario entre grandes vítores, su primera canción, haciendo homenaje a la canción “principal” de su disco Acuérdate de vivir fue Podría ser, que plasma la situación de paro general que se extiende por doquier y que está afectando a tantas personas y familias. En esta gira de su nuevo disco me surge la pregunta de sí iniciará con su primer single que da titulo al disco Todo empieza y acaba en ti, una bonita canción de amor, o si, por el contrario empezará con una de las canciones que ha creado para crear conciencia social ante la situación que estamos viviendo, como la de Despierta.
Es de esperar, por no decir que es obvio, que en este concierto sea su último disco el que se lleve la mayor parte del protagonismo, sin embargo, al igual que en la gira de Acuérdate de vivir estoy segura de que las canciones míticas, sus grandes viejas joyas, como Papá, cuéntame otra vez, Vértigo, Vine del Norte o La extraña pareja, no faltarán. En el último concierto tocó de seguido las tres canciones que más me tocan de sus discos anteriores: Ya ves, Fragilidad y Caperucita. Fue impresionante.
Creo que lo más asombroso de su actuación es la intensidad con la que canta, si en los discos ya emociona, en persona es otra historia, se vuelca en sus canciones. A veces se le nota cansado, incluso algo triste; como buen cantautor sus letras vienen de lo más hondo y yo creo que pone toda su alma al cantarlas, por lo cual no es normal que se agote e incluso se emocione con lo que canta.
Este nuevo disco que supone para Ismael “un nuevo ciclo musical” podría significar también un nuevo enfoque en lo que a sus conciertos se refiere ya que en él ha recopilado sus quince años de experiencia, una gran madurez que ha dado lugar a canciones que son “muy íntimas” donde expone mucho de si mismo, más que en otros discos. Yo, sinceramente, le noto tan profundo como siempre, sincero y cargado de fuerza y delicadeza a la vez, en las canciones de su nuevo disco, aunque si que es notable esa madurez artística de la que el cantautor habla.
Pero en esta mirada hacia el interior que ha hecho de si mismo no ha faltado un espacio para la conciencia y el compromiso social. El mundo que le rodea ha vuelto a servirle de inspiración para sus temas y composiciones. Ismael ve lo que vemos todos, que el mundo vive “un momento crítico” ante el que no podemos ni debemos mantenernos inertes. Ismael asegura sorprenderse ante “el aguante de la gente y el sentimiento de resignación general”, por eso hace un llamamiento general con sus canciones porque cree que la sociedad no es “consciente de su potencial”.
Hay que decir que estas frases textuales no las he obtenido de ninguna entrevista, sino de buenos artículos que los medios publicaron cuando el nuevo disco vio la luz. Pero si que es cierto que se ve claramente en sus canciones esa necesidad que él ve en el mundo de levantarse y echar a andar hacia delante, canciones como Mi vida, no hay derecho de La memoria de los peces, Casandra de Sueños de un hombre despierto, El espejismo o Volveremos de Acuérdate de vivir son ejemplos de esta conciencia social en el que anima a dejar de estar inertes antes un mundo que se pudre debajo de nuestros pies.
Una vez, en una entrevista que le hice personalmente a raíz de su disco Sueños de un hombre despierto, en 2008, le pregunté que qué opinaba de la situación política del momento y me contestó hablando de mi canción favorita de ese disco: Si se callase el ruido, ya que “demanda un espacio de calma para poder reflexionar”. Me contestó que “vivimos en tiempos en los que, por lo general, se trata de generar unos miedos, un desencuentro, una crispación que muchas veces es generada desde ciertos sectores políticos que no tienen realmente un vocación de servicio al ciudadano sino que, realmente, el sembrar ese desencuentro, esa crispación responde al servicio de sus propios intereses que, por lo general, es acceder al poder”.
También le pregunté con qué soñaba despierto (refiriéndome obviamente al título que había elegido para su disco), y con ese espíritu infranqueable que él pone en sus canciones y en todo lo que dice me contestó que “ojala seamos capaces de poner en común sueños que, sin duda, son compartidos; la certeza de que ese mundo mejor con el muchos sueñan está realmente al alcance de nuestra mano, porque hay un cuestionamiento de la realidad que es más compartido de lo que creemos.” Está claro que su intención siempre ha sido hacer ver que lo que queremos, cambiar este mundo, está en todas las conciencias y que no estamos solos, que hemos de movernos para lograr la meta común que queremos.
Sin embargo he de hacer una crítica a este músico y es a los precios de las entradas de su último concierto. Sinceramente me sentí más que decepcionada cuando vi que las entradas más sencillas eran 26 euros y que las mejores eran 30. Es decir, que dos entradas en el mismo sitio donde estuve situada en el concierto anterior (que ya entonces se salían de madre costando los mejores asientos 26 euros) se me ponían, con gastos de gestión, en 67,50 euros, casi 70 euros. No hay que decir que me disgusté, pero ya no tanto por el hecho de que no pudiese permitírmelo, sino porque me defraudó bastante que un artista apreciado y valorado por su conciencia social, que se precia de ser un impulsor de esta conciencia y del movimiento social, se centre en la economía y suba los precios hasta un punto de que haya personas que no se lo hayan podido permitir.
Me defrauda y también cabrea bastante que prime el dinero y no el placer de que sus seguidores puedan ir a verle cantar sus canciones en los intereses de este artista que tanto apoya a la mala situación que vivimos actualmente y que tanta conciencia obrera tiene. En ese punto puedo decir: señor Ismael Serrano los obreros en la situación actual que vivimos (y fuera de ella) no podemos pagar casi 70 euros para ir acompañados a escucharle.
No quiero hablar de hipocresía porque sé que tiene que comer y que la subida del IVA ha afectado mucho a los precios, pero aun así sus entradas estaban a la venta antes de septiembre. Además mi mejor ejemplo es otro concierto al que fui el año pasado, el de Nach, en el que además no solo cantó él sino que trajo otros muchos artistas como SFDK y ZPU y, entre ellos, también a Ismael Serrano, con el que había hecho una fusión de estilos componiendo la canción de Ellas. Pues bien, Nach, también considerado un cantante de conciencia y crítica social pero en el estilo musical del Rap, hizo un concierto donde la entrada estuvo a disposición del público por 15 euros, un precio mucho más asequible sin ninguna duda y que hizo que hubiese que cambiarse de local ya que la gente se lanzó a una compra masiva y en seguida se quedaron sin entradas. El año pasado ya Ismael no consiguió llenar el segundo día la totalidad del teatro, o por lo menos este no se veía para nada completo, creo que no es necesario decir porqué.
En el blog de un amigo suyo, también músico, Manuel Cuesta, dice que Ismael “suele arrojar coherencia y brillantez a este duro oficio”. No quiero ser excesivamente crítica con este punto, pero ojala que el cantautor favorito de muchos, con el que hemos crecido a lo largo de 15 años, y que hace que cada vez que saca un disco al mercado sea un día importante para la canción de autor, tenga un poco más de coherencia en su próximo concierto, ya que brillantez no le falta.
Para no terminar con este tema quiero compartir con vosotros la última pregunta que le hice en mi entrevista de 2008 y que me parece muy significativa y apropiada para terminar este post:
¿Cree que todos soñamos despierto?
“Creo que lo que define al ser humano es eso. A pesar de que a veces creamos que vivimos sumidos en el aletargo es porque vivimos, en contradicción con esa esencia natural que tenemos de animales sociales en contacto permanente unos con otros, con esa capacidad de empatizar con lo que le ocurre al prójimo, con esa capacidad de emocionarnos ante la lucha, la tragedia ajena. Eso es lo que realmente nos define, nuestra capacidad para soñar, la ambición de mejorar nuestro entorno, no solamente para nosotros sino para los que nos rodean.”
No hay duda de que este hombre es grande.
Viernes 8 de junio de 2012
INÉS, INÉS, INESITA INÉS VAMOS A CONTAR MENTIRAS... TRALARÁ
La protesta social disfrazada de nuestras canciones infantiles
Hoy he estado recordando esas canciones que me cantaban en la infancia y que uno de los grandes grupos que me encontré durante mi adolescencia transformó en canciones de protesta social.
Las canciones en concreto son Tres hojitas Madre y Vamos a contar mentiras, seguro que todos las recordáis de los campamentos, de cantarlas en el colegio con vuestros compañeros o en casa con vuestra madre o familia.
“Inés, Inesita, Inés” ha sido cantada en coros incluso por los niños. Fácil de tocar en notas de guitarra o en flauta es muy conocida por todos con las tres hojitas del árbol, “la una en la rama y las dos en el pie”. Y de Vamos a contar mentiras qué decir: esas sardinas corriendo por el monte, o esos ciruelos cargaditos de manzanas son inolvidables... las cantábamos a todo pulmón y nos reíamos a carcajada limpia.
Boikot, el grupo en cuestión, les cambio el significado convirtiéndolas en canciones de denuncia con estrofas como esta para Vamos a contar mentiras:
Ahora que vamos despacio,
Ahora que vamos despacio,
Vamos a contar mentiras, tralará,
Vamos a contar verdades, tralará,
Vamos a contar tu vida.
Ya no roban al obrero,
Ya no hay paro, ya no hay clero,
Ya no existe el desalojo, tralará,
Ningún insumiso preso, tralará,
Vamos a contar mentiras.
(…)
O en el caso de Tres hojitas madre, convirtiendo las tres hojitas del arbolé en una canción donde una niña canta la letra pero hablando de los horrores de la guerra:
Hoy me he levantado he visto destrucción
He bajado al parque y solo hay dolor
Hoy no sale el sol, solo hay destrucción
Inés, Inés, Inesita Inés
Hoy no sale el sol, solo hay dolor.
Estoy sola en mi casa, en mi habitación
Dónde están mis padres, quien se los llevó
Hoy no sale el sol, solo hay destrucción
Inés, Inés, Inesita Inés
Así es el cinismo de la humanidad
Cedieron el futuro a la industria militar
Hoy no sale el sol, solo hay dolor
Inés, Inés, Inesita Inés
Hoy no sale el sol, solo hay destrucción
Inés, Inés, Inesita Inés
(…)
Un día llegará mi oportunidad
Trabajo por un mundo al que tengo que cambiar.
Lucho por la paz y la libertad!
Inés, Inés, Inesita Inés
lucho por la paz y la libertad!
Desde luego no soy una fan incondicionada de Boikot, hay canciones que me gustan del grupo pero solo conozco unas pocas, sin embargo, estas canciones en especial, quizás por el vuelco que le dieron a las letras que cantaba en mi infancia, me impactaron profundamente y al recordarlas quería compartirlas con vosotros ya no tanto por la polémica que se pueda levantar el usar canciones infantiles para hacer denuncia social, pues no hay que olvidar que esas canciones forman parte de nuestra cultura, nos hemos criado con ellas… pero ya no es tanto por sí es adecuado o no, sino por la curiosidad de aquellos que no las conozcáis.
Igual que se conocen las versiones que hizo Picasso de Las Meninas de Velázquez me parece interesante sacar a la luz de nuevo esas versiones de las canciones que nos acunaron en nuestra más tierna infancia, aunque las versiones en sí mismas no tengan nada de tiernas, como una parte más de las distintas formas de cultura con las que nos podemos encontrar.
Igual que se conocen las versiones que hizo Picasso de Las Meninas de Velázquez me parece interesante sacar a la luz de nuevo esas versiones de las canciones que nos acunaron en nuestra más tierna infancia, aunque las versiones en sí mismas no tengan nada de tiernas, como una parte más de las distintas formas de cultura con las que nos podemos encontrar.
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| A la izquierda Las Meninas de Velázquez. A la derecha una de las versiones de Picasso |
Domingo 8 de abril de 2012
CRÓNICA DEL ENCUENTRO CON EL GRUPO ERNEST
Resultó no ser un día cualquiera...
El otro día bajaba hacia Sol por la calle Preciados y me encontré de frente con unos “ladrones”… y creo que realmente no esperaba que un encuentro así acabase tan bien. Cuando digo “ladrones”, debería aclarar, que lo digo en el buen sentido, porque no eran unos sacacuartos cualquieras… según los oí mientras me acercaba a ellos me vi obligada a pararme con la primera frase rondando mi mente “son muy buenos” y, cuando dejé de andar resultó que aun eran mejores de lo que había pensado en un primer momento. Realmente hacía mucho que no me encontraba con unos profesionales así… tanto que perder parte de la economía de mi bolsillo no me importó.
Creo que debería seguir aclarando cosas como el hecho de que una el verbo oír con el de robar, porque no quiero confundir a nadie… este es un blog de cultura, sí, así que veréis, lo que pasó es que el otro día bajaba por Preciados y me asaltaron unos músicos, realmente no fueron ellos, sino sus voces y su buena música. Ellos, que eran cuatro, estaban tocando de frente a un grupo de personas que a mí por lo general nunca me llaman la atención pues no es atípico encontrar algún tipo de humorista que reúne a su alrededor a un grupo de personas y más en el centro de la capital, pero en este caso sí que consiguieron captar mi atención. Creo que antes de decir nada más debería destacar que yo no soy nada impresionable en especial en conocer nuevos músicos, es decir, soy un poco pija porque generalmente me resultan flojos… hay pocos que puedan sorprenderme lo suficiente cómo para prestarles algo de atención, pero aquí fue al contrario y mi primer impulso fue quedarme a escuchar Loosing my religión, canción que empezaban a tocar, pero una vez que me paré fue imposible no quedarme a la siguiente, y, tras esa, a la siguiente…. Y así, a la tercera canción, el siguiente impulso que me vino fue guardar el nombre del grupo que me había hecho pararme para buscarles al llegar a casa. Estaba impreso en un cartel sobre la funda de una de sus guitarras donde recogían el dinero de sus oyentes; Grupo Ernest, ese es el nombre de mis asaltantes musicales, aunque hay que decir que no fui su única víctima porque lo que pasa con la buena música es lo mismo que pasa con los vicios: cuanto más los prácticas más cuesta dejarlos y en este caso entre lo buenas que eran las canciones que tocaban y el espíritu que le ponían al interpretarlas más me enredaba… así que no sé sí fue en la quinta canción cuando solté la primera moneda… creo que fue tras Brown Eyed Girl cuando lo hice, pero no importó porque tras California Dreaming, que fue tocada un par de canciones después del primer asalto, solté la segunda. No estoy segura sí ese fue el orden exacto de las canciones… solo sé que tras la décima canción, cuando ya llevaba mi media hora parada a eso de las diez de la noche en medio de Preciados con un grupo de personas cada vez más grande, le llegó el turno a Halellujah y, tras terminar, me acerqué para comprarles el disco.
Cover Halellujah:
Cover Halellujah:
Cover Piano Man:
Respecto a las canciones que tocaban puedo decir que sus temas versionados eran buenos tanto en ingles como en español y lo demostraron, aunque no se por qué pero cuando yo les oía me parecía verles en su salsa, más ellos, cuando cantaban en inglés, tenían un toque especial que, aunque no se perdía con temas españoles, brillaba con luz propia en ellos cuando cantaban en ingles. Aun así no quiero dejaros sin una demostración de su talento con canciones españolas, por lo que os pongo una versión que han hecho de uno de mis temas favoritos de M-Clan.
Cover Llamando a tierra:
Cover Llamando a tierra:
Para terminar diré que estos genios tienen temas propios, hasta ahora todos los que he encontrado son en español, muy buenos, aunque confío en que se animen a componer en inglés porque realmente prometen.
Tema propio: El sillón de la verdad:
Tema propio: El sillón de la verdad:
Tema propio: Treinta años de repente:
Este blog va de cultura y estos chicos desde luego son un fruto de la buena cultura musical, se nota que han crecido con los grandes y han llegado a ser tan grandes cómo sus inspiradores. No comprendo del todo qué hacen aun en la calle y cómo nadie les ha descubierto y sacado a la luz… aunque como ellos brillan con luz propia creo que el hecho de tener su guitarra, su grupo de gente, cada vez más amplio, y su calle de Madrid es lo que les da un toque muy especial que te hace buscarlos con el oído y la vista. Yo ahora cada vez que piso Preciados lo hago, es inevitable.
Cover Let it be:
Cover Let it be:
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